靳尚谊，1934年生，河南焦作人。1953年毕业于中央美院绘画系。1957年结业于马克西莫夫油画训练班，并留校在版画系教授素描课；1962年调入油画系第一画室任教。原中央美院院长。现为中央美院博士生导师、教授、中国美协主席、中国文联副主席、全国政协常委。作品多次获得国内外大奖，并被中国美术馆等机构和个人收藏。
Born in Henan Province. Graduated in 1953 from the Oil Paintings Department of the Central Academy of Fine Arts and continued his training at the Academy’s Oil Painting workshop in 1957. Currently professor and president of the Central Academy of Fine Arts.

靳尚谊以油画肖像为专攻，集中其艺术成就的大量人物肖像作品，与中国油画近半个世纪的曲折历程紧密相联。
新中国成立后，“通俗的写实”成为绘画主流风格。大批经过严格写实技术训练的画家，擅长以描绘现实人物形象，追求革命斗争或民族精神的宏大气势。靳尚谊的油画生涯开始于1949年以平生第一张素描考入北平国立艺专，又于1955年进入中央美院“马克西莫夫油画训练班”。与许多新中国培养的第一代画家相似，靳尚谊由于创作了一系列“现实主义”革命历史画崭露头角。其1956年的《在和平讲坛上》、1961年的《毛主席在十二月会议上》、1964年的《长征》等塑造的若干个领袖形象，引起了美术界和社会的广泛关注。
被靳尚谊称作“介乎肖像画和历史画之间的‘历史肖像’”的《毛主席在十二月会议上》，不同于将人物融合于事件中的大型历史画，人物风格必须以肖像形态呈现。画家除了借助从“马训班”获得的体积、空间、结构等造型功力外，更以强烈的透视观念，巧妙地展示出由特定时代预设的宏大气象。靳尚谊在当时表现出的对绘画技术的自信和绘画语言追求，为其后来的“复出”打下了潜在的伏笔。
靳尚谊以饱受苏联影响的“社会现实主义”油画手段，规范了中国颂扬式人物的造型。不过，产生于西欧19世纪下半叶的“现实主义”油画，因为长于精确再现而经常被用于政治目的，曾经与法国革命和俄国布尔什维克政治相结合，也在引进中国后的某些时期走入了“三突出”等极端。所以，靳尚谊长期浓缩在伟人造像中的，其实是被革命精神升华了的真实。对于“文革”期间，被委以修改董希文《开国大典》的重任，以及担任全国美展的“改画组”组长，专门负责修改业余作者的毛泽东形象，画家至今记忆犹新。极有讽喻意味的是，由于当时要求画主席像必须“红彤彤的”，他在了完成了大量毛主席像后，竟在1974年前后失去了辨别红色的能力。
为了回避经典“社会现实主义”的表现手法，远离政治对艺术的干涉，靳尚谊在1970年代末，将视角转向了普通的人和“活生生的现实”。1983年展出的《塔吉克新娘》，暗示了中国油画写实风格的转折，他以“人的主题”，为从纷乱和空虚中解脱的国人，展开了崭新的理想世界。靳尚谊突破了以往肖像画的特定模式，将对具体人物的一般性描绘，提升为普遍人性美的集中展现。此画风一出，便吸引了众多的赞赏者和追随者影从。1980年代后期，靳尚谊创作的《医生》、《瞿秋白》、《画家》等，用“知识分子”的特定身份提示理性和智力的价值，继续深化其“人的主题”，这与90年代出现的以近距离表现孤独、无聊的“玩世现实主义”大相异趣。靳尚谊刷新了“现实主义”，实现了对中国人真实心灵的传神写照。
靳尚谊认为“社会现实主义”的意义，在于对劳动者的同情态度，改变为将劳动者作为艺术主体，并将其朴素的特质引入绘画，从而引起了美学上的重大变化。在笔者看来，靳尚谊的肖像是将“劳动者”推及为所有的“现实的人”，并将劳动者的朴素美，扩展为普适于每个时代的崇高精神和至善境界，他在背离“社会现实主义”之后，又在新的层面实现了回合。也正因此，他的看似乎极平凡的肖像人物，也足以激起观众的共鸣。

    

20世纪80年代有人提出现代主义艺术和现实主义艺术之间的矛盾，争论艺术流派的是非，认为变形的是先进的，写实的是落后的等等。现在已经不是这个问题了，现在的学生提出的问题是我现在还要不要画了？因为观念艺术出现了，也有行为艺术了。
　　事实上长期以来学习油画的人特别多。为什么喜欢油画？最重要的一点，就是因为它的表达方式是真实的。它有体积、有空间、有色彩，画面好看。为什么现在的学生不喜欢国画，对国画没有兴趣呢？因为国画中的笔、墨、线是抽象的，很不容易理解。油画其实就是一个写实的画种。国画文人画根本的妙处不是真实，它的妙处是线和笔墨。虽然线也要表现具象的物体，但真实不是国画的优势。
　　另外，关于造型问题。西方的造型由体积和空间构成，所以真正把握光、色彩和造型空间的布置是关键。我们现在的油画虽然技巧熟练、风格多样，但小问题较多。首先，我们现在相当多的绘画在体积上都做得不够彻底。体积、空间对初学者来说很容易懂，但往往是很难做到，或者做到与做不到自己也不清楚。我上世纪80年代初到欧洲、美国反复看了欧洲绘画的原作后，才发现中国油画的问题就出在这儿。 这个问题对西方人来说是很容易做到的，这是他们的天性，是他们民族的传统、认识的传统。他们的雕塑在公元前8世纪的时候就已经做得非常好了，如希腊的雕塑。到文艺复兴时期，再到罗丹，到后来的亨利?摩尔，都是研究人所形成的体积语言。绘画也是这样，从古典时期、文艺复兴时期，到17世纪、19世纪、西方印象派再到现代派，都是这个造型体系基础上的形式和风格的变化。1979年我到德国，就问那里的老师，你们现在的素描与以前有什么不同？有什么发展？他说我们与200年前一样！这就是说它的画种的基本原理，如造型原理、色彩原理都是延续的、不变的，变的只是风格，因为时代不同了。
　　再说风格，风格的较大变化是在西方后印象主义到现代派以后。为什么变了呢？绘画的功能发生了变化，由实用性转向欣赏性，抽象美被强调。用现在的话讲整体生动就是抽象美，包括构图、整体的结构关系等。艺术的最高境界是画面的抽象境界，所有具象绘画中好的作品，都是因为它具有抽象美。所以，抽象和具象没有严格的界限，它只是表面上的不同，标准是一样的，那就要看你的作品是否反映了社会和人的真实性，或者是内在的真实（即抽象性以及画面体现的精神与品格）。西方的绘画精道之处就在这儿。如果把真实去掉，把真实这一体现西方绘画的妙处去掉了，那我看就不必要画油画了。我们现在争论的“思潮”看起来很深奥、很复杂，但是全是一些表面的问题，落实到具体都是不重要的问题，当然，以前都是大问题（这实质上是政治思维的结果）。我们研究的就是油画的最基本的小问题，这是油画专业人员思考的油画质量问题。